Siena: The Rise of Painting Review: un espectáculo de corazón sobre el momento en que el arte occidental cobró vida | Arte

SIncluso siglos, un poeta escribió la revisión de arte más extática jamás escrita. Francesco Petrarca, conocido como Petrarca, había encargado a la artista siena Simone Martini que pintara un retrato de su amada, Laura. El resultado fue tan maravilloso, escribió, que si todos los artistas famosos de la antigua Grecia “compitieran durante mil años, no habrían visto un poquito de la belleza que me conquistó mi corazón”.

La revisión del rave de Petrarca lo tiene correcto. Conquistar el corazón es lo que Martini y otros pintores del siglo XIV de Siena hacen en la exposición devastadora y de época de la Galería Nacional sobre el momento en que el arte occidental cobró vida. La pintura de Laura de Simone está perdida, pero ves por qué era el artista del trabajo. Es tan expresivo, tan tierno, explotando cualquier idea del arte medieval como remoto.

Hay una intimidad derretida en las suaves caras pálidas de su retablo Palazzo Pubblico que se muestran como una fila de retratos. Saint Anselm es un caballero soñador con una bandera en la mano. Saint Luke, con su cuaderno de bocetos y su lápiz litro listo mientras mira apasionadamente a la Virgen María, puede ser un autorretrato. La Virgen misma es entusiasta mientras mira, o me pasa místicamente. Incluso atar al niño Jesús en sus brazos es golpeado por los pensamientos sublimes y mistados de la cara debajo de su trapeador de cabello dorado.

¿No es un retrato tan sensible haber entrado en el arte europeo mucho más tarde, en la era de Botticelli, Petrus Christus y Leonardo da Vinci? El Renacimiento, según esta exposición, fue todo allí en el microcosmos en la explosión creativa que tuvo lugar en una pequeña ciudad de la colina hace 700 años. La Siena de esta exposición no tiene mucho que ver con la Siena turística de la carrera de caballos de Palio. En cambio, entras en un espacio oscuro donde las pinturas montadas en oro son recogidas por una iluminación intensa, y de repente se sumergen en un mundo de sensación interna.

El amor entre madre e hijo despega su cinismo en un pequeño panel de abrir el corazón que es lo primero que te golpea los ojos: una pequeña pintura de Duccio, hecha algún tiempo entre 1290 y 1300. Alrededor de él hay ejemplos de lo que un adorador en una iglesia italiana generalmente habría visto en este momento: imágenes rígidos de la virgen por parte de los artistas y sus imitadores. La virgen y el niño de Duccio estalla de esas convenciones. En lugar de sentarse fríamente entronizado en los brazos de su madre, Jesús, vestido como un pequeño adulto pero con las manos y los pies de los bebés, se extiende hacia arriba para tocar el velo de su madre, tirando de él a un lado para revelar su rostro.

Duccio tiene un ojo conmovedor y verdadero sobre cómo un bebé real podría tocar la cara de Mummy. Este es el comienzo de un viaje íntimo, ya que tres generaciones de artistas sieneses compiten para estar aún más vivos con la maternidad, culminando con la Madonna del Latte de Ambrogio Lorenzetti en la que un bebé de tamaño natural lo mira intensamente con un ojo enorme y regodeante mientras chupa la mama desnuda de María, sosteniéndola en su pequeña mano, que nos mira con la vida de la vida.

Una vez más, sin embargo, Simone Martini agrega un giro genio. Su pintura que Cristo descubrió en el templo, prestada por la Galería de Arte Walker de Liverpool, trae psicología aguda a una historia de tensión familiar. El adolescente Cristo se ha alejado en el templo, entrando en pánico a sus padres. Joseph acaba de traerlo de vuelta. Jesús se ve malhumorado y confrontativo. La cara morada de su padre indica que se trata de controlarse a sí mismo. Mary se sienta con calma pero sus palabras, escritas en latín en el libro en su regazo, se traducen aproximadamente como: “Hijo, ¿por qué nos tratas de esta manera?”

Todo este poder emocional proviene de un dominio del espacio. La perspectiva se inventó en Florencia durante el Renacimiento, ¿verdad? No del todo. Los artistas de Siena de principios del siglo XIV aún no comprendieron la perspectiva sistemática de “un solo punto” que Leonardo usaría. En cambio, juegan con efectos de perspectiva parcial para crear vistas de cuento de hadas de ciudades amuralladas, barcos mercantes y los altos interiores de las catedrales góticas.

Este mapeo juguetón es más mágico en la obra maestra en el corazón de este espectáculo. El maestro de Duccio era un retablo masivo dividido en el siglo XVIII. La Galería Nacional posee tres paneles de una capa de escenas narrativas en la parte inferior, conocida como Predella. Ha tomado prestados paneles acompañantes para resucitar este milagro artístico.

Sigues la fila de pinturas como una tira cómica: Jesús derrota al diablo, cura a un hombre ciego, levanta a Lázaro de entre los muertos. Sin embargo, lo que te atrapa es la conjuración espacial de Duccio. Mientras el diablo tienta a Cristo a arrojarse desde el punto más alto de un templo, vemos un edificio poligonal increíblemente sólido que llena el panel de madera, incluso pareciendo abullirse. Cristo confronta a Satanás en un balcón de mármol renderizado en la profundidad de los ojos. Puedes ver el interior donde los arcos góticos y un pavimento particular retroceden con realidad hipnótica. No es solo un truco visual. El espacio crea emoción. La solidez de los objetos reales significa que cuando el diablo se atreve a Cristo a saltar, hay peligro.

La poesía nuevamente es clave. Duccio fue el contemporáneo de Dante, cuya comedia divina visualiza el infierno, el purgatorio y el paraíso como lugares reales con la misma precisión espacial que hace que el Maestà sea tan maravilloso. Al igual que Dante, te guiarán a través de otros mundos por esta exposición. ¡Oh Siena!