If Desea saber el momento de la mayor prosperidad de una ciudad italiana medieval, mire el año en que comenzó a trabajar en su catedral. En Siena, el año mágico fue 1226, el comienzo de unos 85 años de construcción del Duomo, una notable estructura gótica con una fachada rosada cremosa y cremosa intrincadamente y un campanil rayado, negro y negro. “La escala de la ambición es difícil de poner en palabras”, dice Laura Llewellyn, una de las curadoras del ascenso de la pintura, la nueva exposición de arte sienés de la Galería Nacional. “La extravagancia: para apreciarlo, necesitas sin saber y desaprender edificios posteriores como los Duomos en Florencia y San Pedro en Roma”.
Pero para la década de 1350, los años más gloriosos de Siena en el furioso sol toscano sería tan bueno como. Después de décadas de rápida transformación artística, un medio siglo que vio el arte de la ciudad dejar atrás la gracia distante y jerática de la pintura con sabor bizantino para un mundo de dinamismo, drama y emoción, la muerte negra redujo a la población de la ciudad de 60,000 a 30,000, eliminó sus ambiciones salvajes y se apagó de su brillo. Uno de los planes más inverosímiles de Siena había sido ampliar la ya enorme catedral al convertir su nave existente en un crucero y pegar a su vientre una nueva nave y muy grande de gran tamaño en el borde precipitado de uno de los picos de la ciudad. El proyecto nunca se completó, pero los arcos inacabados fantasmales permanecen como un monumento a los sueños perdidos y una pandemia furiosa.
Medieval Siena era una República Oligárquica. Aun así, la Virgen María lo gobernó enfáticamente. En el arte de la ciudad, ella es omnipresente. Encuéntrala con “ojos grandes” (la Madonna Degli Occhi Grossi, que data de aproximadamente 1225; el trabajo, por un artista conocido como el maestro di Tressa, otorgó la victoria en el sienés en la batalla de Montaperti contra las florentinas en 1260). Observarla en la Madonna del Latte de Ambrogio Lorenzetti, de la cual el bebé Jesús, presionó su pecho, mira al espectador con un atento atento, preparando su pequeño pie contra la curva de su brazo (esta obra maestra estará en la exposición de Londres). Encuéntrala como un recién nacido, siendo lavada con amor por mujeres que vierten agua de una ewer a una cuenca hexagonal, en un retablo firmado por el hermano Pietro de Ambrogio.
Ella también está allí, recliéndose en un sofá que la hace parecer una dama etrusca en una tumba, en las tallas de Giovanni Pisano en el lado del púlpito de la Catedral de Siena, el punto aún en el corazón de un arreglo tan héctico, tan lleno de ovejas, empalchados, empalchados y otro dramatis a la natividad, esa cabra tiene que tener una cabra que tiene que tener un cabezal que tiene un ala de las ala de los peces de ala de los ala de los ala de los ala de los ala de los ala. Para ser acomodado por la composición.
Aún más magníficamente, preside el Palazzo Pubblico, el centro político de Siena, el gran escenario establecido hacia el cual el famoso Campo, o la plaza central, rastrilla. Aquí está entronizada por Simone Martini en el muro de la cámara en la que debatió el cuerpo legislativo de la ciudad, Consiglio Generale; Una reina decorosa que preside una corte de santos, a su vez flotando sobre un gobierno de hombres.
Pero dentro de la catedral en sí está la virgen más grandiosa de todas: The Masestà de Duccio, el glorioso clímax central de un retablo magistral diseñado para embrujarse a su audiencia en una explosión de detalles y color. Tan amado por sus comisionados era que fue llevado por la ciudad en una procesión triunfante antes de ser instalada en la iglesia en 1311. Duccio firmó el trabajo con una inscripción: “Santa Madre de Dios, sé la causa de la paz por Siena y la vida a Duccio porque te pintó así”. Es un momento raro, al escuchar las palabras del pintor volar hacia nosotros desde hace siete siglos, una oración que combina una súplica de atención al nivel del estado con un impresionante reclamo de intimidad entre el pintor y el sujeto.
Después de la peor de la muerte negra, Florencia fue enfáticamente el ganador de la rivalidad entre sí mismo y Siena, y el arte de Siena a menudo se ve en relación con el de su vecino. Siena: soñadora y emocional; Florencia: intelectual y vigoroso. Las obras de arte con incrustaciones de oro de Siena son pinturas muy mundanas que hablan de riqueza abundante, los mejores materiales, ningún gasto ahorrado para la Virgen en esta ciudad de los banqueros medievales, pero también parecen de otro mundo, esos cielos brillantes que se deliquitan en un brillo celestial brillante. Sin embargo, el surgimiento de la pintura reafirma a Siena como un complemento pensativo y nebuloso de Florencia, sino un centro de innovación tumultuosa en la primera mitad del siglo XIV: un tiempo de conectividad, comercio, la afluencia de materiales magníficos y textiles y habilidades en la orilla de oro y tallado de marfil.
Most importantly, perhaps, it was a also a time of rapid religious change that saw art flexing to meet the needs of a new relationship with God, instigated by the flourishing of the new mendicant religious orders – Franciscans, Dominicans – who inserted themselves into cities, tending to the sick, filling barn-like churches with crowds for charismatic sermons, and insisting, according to Caroline Campbell, one of the exhibition curators, on a religious life Eso fue “más sobre hacer, menos de observar”. En términos artísticos, que se tradujo en pinturas de acción, peligro y sentimiento, un arte que insistió en atraer al espectador a su emocionante y peligroso mundo de alto riesgo.
En la fachada gótica de la Catedral, por ejemplo, la estatuario no se coopta para duplicarse como columnas de carga, como se vería a menudo en un equivalente del norte de Europa. En cambio, estas son figuras independientes como actores en un escenario: profetas y sibilas que se inclinan y se doblan entre sí en una conversación dinámica. Ahora es difícil, a una distancia de tantos cientos de años, mirar un polipítico sienés y pensar: cuando esto fue pintado, esta era una nueva forma artística; Además, estos santos ahora venerables también eran nuevos, su iconografía en juego.
En el Pinacoteca Nazionale en Siena, hay un tríptico pintado por Simone Martini de alrededor de 1324 que muestra al Bendito Agostino Novello, un santo ermitaño nacido en Siciliano que murió cerca de Siena tan recientemente como 1309. Agostino realizó una cantidad de miles de milagros que se desprendieron de un hijo de Bobal. se abalanzó desde lo alto para revivir a un bebé salvado por un perro; evitó que un viajero en un pase de montaña solitario fuera aplastado por su caballo que cae; Lo más emocionante de todo, resolvió a un bebé cuya cuna de hamaca se había liberado de sus fijaciones. Menos de una generación separó los eventos de la pintura. Agostino y sus similares eran poderosas nuevas fuerzas religiosas cuyos legados podrían ser promovidos por pintores.
Quizás la obra de arte más dramática de todas, sin embargo, fue la Maestora de Duccio. Era una estructura enorme y compleja, y a doble cara: la Virgen tomó el lugar central en el lado delantero, frente a la congregación: los ángeles descansan sus manos y cabezas en la parte posterior de su trono, mirándole a ella y al bebé Cristo de manera protegida, como un cordón más ancho de santos a su alrededor en reverencia. Arriba y abajo, Pinnacles y un espectáculo de Predella de su vida. En el reverso, visible para el clero y, quizás solo en los días santos, por la población más amplia, el enfoque es Cristo, que culminó en su crucifixión. El Predella rastrea su vida desde sus tentaciones, a través de la fiesta de bodas en Cana, hasta la resurrección de Lázaro.
La invención y el deslumbramiento son maravillosos: la insistencia siena en los mejores materiales significa que la cosa zumba con el color energético incluso ahora, y todo el trabajo, con sus escenas narrativas, exige ser leída y releer durante meses o años (es la primera predella sobreviviente cuyas escenas individuales se vinculan para contar una historia más grande). Sin embargo, es un recordatorio aleccionador de los caprichos del gusto, que en el siglo XVI esta magnífica estructura fue degradada a una capilla lateral y en la década 18, cortada por la mitad a través de su medio delgado, separando los dos lados pintados, luego todo se cortó en escenas individuales con el fin de venderlos. Aunque la mayoría de las 33 partes todavía están en Siena, en el Museo Dell'opera, el resto se dispersan ampliamente, en 10 colecciones en cinco países. La reunión de las partes sobrevivientes de la parte posterior de Predella para la Exposición de la Galería Nacional representa la primera vez que se los vean juntos desde que se rompieron.
Lo que no se puede ver en Londres, ya que es un fresco que se encuentra en las paredes del Palazzo Pubblico en Siena, e incluso ahora está cerrado por el trabajo de conservación, seguramente es una de las obras de arte más cautivadoras en cualquier lugar: Ambrogio Lorenzetti de la alegoría de un gobierno bueno y malo, que adoraba la cámara en la que se dirige la rama ejecutiva de las reuniones sienases.
Una de las principales delicias de este complejo y notable trabajo es su visión de una ciudad bien gobernada, una ciudad amurallada notablemente como Siena que a su vez protege un campo productivo, seguro, populoso y poco amenazante, completa con una elegante dama a caballo, donas, perros y un cerdo a rayas en blanco y negro contento. En esta ciudad bien gobernada, los edificios están bien mantenidos, las calles lloran con el comercio, un gato segita a lo largo de una alta balaustrada fuera de una ventana y, lo más conmovedor de todo, una casa martin, heráldicamente blanca y negra como el escudo de armas de Siena, tiende al nido que ha hecho bajo los aleros de una casa.
En otra parte del fresco, en ángulo recto con la ciudad bien gobernada, las virtudes se sientan: prudencia, fortaleza, templanza y el resto, todas personificadas en mujeres reinas. Lo mejor de estos es la paz, que se reclina en su largo cambio blanco, que se apoya en su mano, hojas de oliva que coronan la cabeza, su cojín profundo y ricamente bordado apoyado por la armadura que ha quitado: una imagen de reposo y contemplación y de alguna manera, a pesar de toda la densidad filosófica del Fresco, una verdadera mujer hecha de carne y sangre y sentimiento.
